dal 17 gennaio al 9 febbraio 2026

“Così hanno decretato gli dèi.
Che, nel perdersi, ciascuno possa ritrovare se stesso.”

Omero, Odissea

Spostarsi come un errante significa vagabondare, non avere una meta fisica, un luogo in cui fermarsi. Questo non vuol dire che il viaggio non abbia un obiettivo, basti pensare ai cavalieri erranti che ci sono stati proposti dalla letteratura, che girovagavano per il mondo in cerca di avventure e per dimostrare il loro valore.
Ma se ci concentriamo su questa parola, erranti, il collegamento al verbo da cui deriva è spontaneo: errante deriva da errare, andando ad indicare una persona che ha commesso una colpa, che è in errore.
I Tuareg, popolo di tradizione nomade, tramandano la credenza per cui il deserto è un luogo in cui ritrovare la propria anima e luogo che, seppur nella sua ostilità, diventa strada nel momento in cui il viaggiatore ha un obiettivo.
Il percorso che propone Paolo Pallara fa riflettere su questi temi.
Mi piace pensare che il sentiero a cui fa riferimento sia un viaggio introspettivo, non sempre semplice da percorrere, come quando si lavora su se stessi. E’ un percorso in cui si inciampa, si sbaglia, ci si perde per imparare a conoscersi un po’ di più.
Le sfide e le difficoltà che a volte creano un senso di smarrimento, come cita la frase di Omero, possono diventare tappe essenziali per gli erranti in cui ognuno di noi si può ritrovare.
Percorrendo la linea di orizzonte dei quadri di Paolo, in cui il bitume entra in contatto con i colori ad olio, con l’acrilico, con la juta o ancora con materiali preziosi come la foglia d’oro, sembra di percepire i diversi stati di questa evoluzione.
Le rare tracce di colore sono le emozioni che rimangono fisse sul percorso, la gestualità costruttiva dell’opera è un elemento fondamentale e di equilibrio nei dipinti di Pallara, perché da un lato ho un accumulo di materia, mentre dall’altro ho un alleggerimento delle cromie e della materia stessa che viene anche graffiata.
Come in una danza, la materia di tanto in tanto cola inquietante e seducente allo stesso tempo, ma soprattutto incurante dei nostri pensieri e delle nostre interpretazioni.

Dalila Tossani

dal 29 novembre al 23 dicembre 2025

Una mostra collettiva dedicata al REGALO D’ARTE.
L’intento è di rendere la galleria luogo di incontro e di festa, facendo spazio ad opere d’arte che possano essere oggetto di dono per sé e per gli altri.
Le proposte artistiche spazieranno dalla pittura, alla scultura, sino alla fotografia, e avranno per l’occasione un comun denominatore: il colore ORO.

dal 25 ottobre al 22 novembre 2025

Quello che colpisce immediatamente nelle opere di Nadia Crenna è il colore, un colore corpuscolare, vitale e vivace, un colore che anima il quadro di vita propria. I quadri sono dipinti con tecnica ad olio, che conferisce la tipica luce e brillantezza, rafforzandone i colori, i protagonisti assoluti di questa pittura. Il suo percorso pittorico è intuitivo, attraverso il colore la nostra artista esprime il messaggio, il suo sentire, cosa vuole trasmettere. La scelta cromatica non è mai meditata, decisa a priori, ma è immediata, segue gli stati d’animo e le emozioni del momento in cui Nadia dipinge. I colori poi non sono sempre rispondenti ai colori reali, il cielo non è sempre azzurro, poiché l’artista ha intrapreso un cammino tale per cui non riesce più ad essere figurativa. Questo uso del colore richiama un grande della pittura post-impressionista, Paul Gauguin (1848-1903). La poetica sintetista assembla tre caratteri fondamentali: cogliere l’aspetto delle forme naturali, riportare sulla tela i sentimenti che l’artista prova di fronte ai soggetti che dipinge, attraverso la purezza estetica delle linee e dell’uso del colore. Ricordando il modo di dipingere dei bambini, Gauguin utilizza un colore anti-naturalista, perchè non era intento dell’artista dipingere fedelmente ciò che vedeva, ma l’obiettivo esplicito era riportare sulla tela le emozioni e la sua visione della realtà. Allo stesso modo nelle opere di Nadia vediamo un colore che non media la realtà, ma segue il percorso emotivo dell’artista.
Le sue opere ci riportano ad una purezza della visione e ad un forte simbolismo, espresso sia nella scelta cromatica, che in quella dei soggetti; tra i più frequenti troviamo alberi e acqua, elementi fortemente simbolici, legati al senso dell’esistenza e al suo scorrere.
(Cristina Bignardi)

dal 19 settembre al 18 ottobre 2025

Giovanni Consoli, nato a Catania, di professione medico chirurgo, è pittore autodidatta. Il suo percorso artistico si divide in due periodi: se in una prima fase si dedica all’arte figurativa, il ritorno all’attività artistica dopo oltre trent’anni è caratterizzato da un totale cambiamento di stile pittorico, che vede il passaggio dall’arte figurativa all’attuale stile astratto/informale e concettuale, consistente in opere materiche di forte impatto cromatico. Utilizza principalmente tecnica mista, prediligendo il colore acrilico. Oltre a temi significativi della contemporaneità, è la sua terra, l’amata Sicilia, quella che emerge nelle sue opere, raccontata attraverso una gamma cromatica in cui spiccano il blu, il rosso e l’oro, accanto a gradazioni di colore più terrose. Ha partecipato a numerose manifestazioni d’arte, collettive e personali, e ricevuto importanti riconoscimenti artistici.

In mostra dal 6 giugno al 13 settembre

La mostra è incentrata sull’idea di normalità e sulla sua valenza contemporanea: esiste ancora una normalità di riferimento?
Nella società odierna modelli di comportamento omologato si contrappongono a una disperata ricerca di unicità: qual è la posizione dell’artista in un mondo in cui normale e ideale spesso si fondono e si confondono?